前言

前面我们介绍过利用调式主音全全半全全全半的音程关系进行中古调式相互推导的方法:

• Ionian调式主音距离Dorian调式主音为一个全音程

• Dorian调式主音距离Phygian调式主音为一个全音程

• Phygian调式主音距离lydian调式主音为一个半音程

• lydian调式主音距离Mixolydian调式主音为一个全音程

• Mixolydian调式主音距离Aolian调式主音为一个全音程

• Aolian调式主音距离Locrian调式主音为一个全音程

• Locrian调式主音距离Ionian调式主音为一个半音程

详情可查看《关于歌曲的调性》

这种是通过音程逻辑计算的的方式来进行推导, 使用起来没什么问题, 但是涉及到计算, 对于初学者来说,稍微有些费劲

那么接下来给大家介绍五度圈推导法, 只要将五度圈的图形记下脑海里, 即可快速推导, 比音程计算要轻松快得多

具体使用

五度圈图形如下:

首先 我们需要将内圈十二个格子记下, 它相当于是一个时钟, 12点的位置为C 三点的位置为A ……

外圈的部分则是用于中古调式的推导, Lydian调式在Ionian调式左一格, Dorian调式在Ionian调式右两格,

比如F Dorian调式推Ionian, 那么则是往左数两格,也就是9点的位置 即为Eb

所以F Dorian和Eb Ionian两个调式所用的音相同

本文为作者原创 转载时请注明出处 谢谢

有瓣音频 – 有伴你我,更多编曲混音技术尽在有瓣音频

前言

前面我们说过, 音乐主要有音高和音长两大元素构成

从音长方面, 我们可以延伸出节奏 节拍和演奏速度等相关概念

而从音高方面, 我们可以延伸出调性概念

什么是调性

调性主要包含调和调式两个概念, 我们在分析一首歌的调性时, 也是从这两个方面入手:

• 调: 一首歌的主音, 比如C调 A调分别是以C和A为主音
• 调式: 若干个音按照一定的音程关系排列所构成的一种结构

调式结构

比如Ionian调式, 也就是我们平常说的大调式, 它的调式结构为:

1

全全半全全全半

Aolian调式的调式结构为:

1

全半全全半全全

假设一首歌以C为主音, 采用Ionian调式, 那么实际音阶为:

1

C D E F G A B

我们则说这首歌的调性为: C Ionian调 也就是C大调

同样的 假设一首歌以C为主音, 采用Aolian调式, 那么实际音阶为:

1

C D Eb F G Ab Bb

我们则说这首歌的调性为: C Aolian调 也就是C小调

也就是说主音和调式可以随意排列组合, 主音确定了一首歌的起始音高, 调式则确定了在主音基础上整首歌的音高走向, 两者结合限定了歌曲的音高范围(非音区) 即音域

犹如二维坐标系, 一个横向, 一个纵向, 我称之为纵横表:

注: 横轴音域线代表的就是调(主音), 纵轴代表具体调式, 两者定位的坐标点即为调性

其中调一共有十二个, 上面只列举了其中一部分

而调式则有不少, 因为音的排列结构多种多样, 上面列举了常见的7种中古调式和5种五声民族调式, 配合上十二个主音, 那么调性一共有12x12=144 个

是不是够我们玩一阵子了 哈哈

不用想太多, 我们只需要记住横向的十二个主音和纵向的常用调式就行

当然每个调式所对应的调式结构我们需要熟知:

注: 上表中的三表示小三度 全表示全音 半表示半音

上表中的常见调式, 凡是调式结构以全全开头的, 皆为大调式范畴, 否则属于小调式范畴, 区分根据主要看三度音是大三度还是小三度, 大三度属大调 小三度属小调

不同的调式蕴含不同的感觉

由于不同调式音高的限制排列, 导致每一种调式出来的音乐给人的感觉也不一样:

其中前七中调式如果按照明亮度排列, 从上到下由亮到暗:

调式间的半音变化关系

既然已经知道了调式的调式结构, 那我们从十二个音中随便选取一个主音, 来对比分析不同调式间的半音变化关系

我们以C主音为例:

注: 上表中的#表示升半音 b表示降半音

由上表各个调式音阶对比, 我们会发现一些规律, 在七个中古调式中如果以Ionian调式为参考调式, 那么其它六个调式所需的升降音为:

同样的, 在五个五声调式中, 如果以宫调式为参考调式, 那么其它四个调式所需的升降音为:

各调式间的互相推导

根据调式间的音阶半音变化关系, 我们可以将任意一个调推到出其对应的大调, 比如我们知道A Locrian的音阶排列为:

1

6 7b 1 2 3b 4 5

我们可以立马推导出A Ionian的音阶排列, 只需将A Locrian的音阶逆向升二三五六七音即可, 也就是:

1

6 7 1# 2 3 4# 5#

这样 我们就不必死记硬背上百个调的音阶了, 只需记住调式间的升降音关系即可, 方便了我们学习

另外, 不知道大家有没有注意到, C Ionian 和D Dorian 两者的调式结构虽然不一样, 但是它们使用了相同的音 如下表:

如果大家看不出其中的规律, 我们可以再举例一张表:

上面两张表中所用到的音都是一样的, 而保证这种规律结果的前提是调式主音需要保持全全半全全全半的的关系:

也就是Ionian调式的主音距离Dorian调式主音为一个全音程, Phygian调式的主音距离Lydian调式主音为一个半音程

比如D Aolian往上走为E Locrian 往下走为C Mixolydian 这三者所用到的音都是一样的

通过这种方法, 当我们需要找具有相同音的调时, 可以快速推导出

那么我们可以借此, 将其他的调式统统转成Ionian调式, 比如F Dorian调 由于Ionian调和Dorian调主音距离为全音程, 那么F Dorian调对应Ionian调的主音为Eb 也就是Eb Ionian调(Eb大调)

以上是调式推导的方法之一, 除此之外, 我们还可以借助五度圈进行快速推导, 详情参见《使用五度圈进行中古调式的相互推导》

调式体系

我们知道了调式是若干个音按照一定音程关系排列组成的一种结构, 在中古调式体系中, 7个音由全音和半音组合排列, 如果按照数学排列组合计算, 那么一共有44种排列模式:

但实际上, 调式不可能有这么多, 因为音阶是一个循环圈,无论多少个音 总音程都是固定的只有12度 根据音程守恒 但凡所有音程加起来不等于12的都要排除掉

那么就还剩下以下21种:

这21种全音半音调式结构中, 一共包含了三种调式体系:

说了这么多, 那到底什么是调式体系?

构成一个调式体系需要满足以下三个条件:

• 确定参与排列的音的数量: 比如中古调式7个音 五声调式5个音
• 确定音程排列模式: 比如是全音和半音之间的组合排列, 还是全音和小三度之间的排列,或者是在纯四度和半音之间选择 等等 总音程必须等于12度
• 选择其中一种排列模式进行音阶轮动

比如中古调式体系, 采用的是全音和半音的组合排列模式, 然后选择其中全全半全全全半组合进行音阶轮动, 因为是7个音, 所以该调式体系一共轮动出了7个调式, 分别为 Ionian调式 Dorian调式……Locrian调式

再举例如五声民族调式, 采用的是全音和小三度音的组合排列模式, 然后选择其中全全三全三组合进行音阶轮动, 因为是5个音, 所以该调式体系一共轮动出了5个调式, 分别为宫商角徵羽调式

调式体系构建

根据这上面三个条件, 我们可以构建出若干个调式体系

比如以7个音结合全音半音的组合可以排列出三大类, 分别是:

1
2
3

全全全全全半半
全半全全全全半
全全半全全全半

每一类即是一个调式体系, 每一类按照7个音轮动排列各组成7个调式结构, 一共就是21个调(上面表中已经列出)

假如还是以7个音, 结合半音小三度度和全音进行组合排列, 那么一共有8个体系:

1
2
3
4
5
6
7
8

三半半全全全半
三半全半全全半
三全半半全全半
三全半全半全半
三全全半半全半
三半全全半全半
三全全全半半半
三半半半全全全

每个体系又可以各自按照7个音轮动出7个调式, 一共有8x7=56个调

以此类推

从理论上, 我们可以构建出各种各样的调式体系, 但至于好不好听, 那就是另一回事了, 就目前来说, 中古调式和五声调式两大体系经过多年的沉淀已经被大众所接受

所以无论是初学者还是创作者, 理应从这两大调式体系入手

本文为作者原创 转载时请注明出处 谢谢

有瓣音频 – 有伴你我,更多编曲混音技术尽在有瓣音频

构成音乐的基本要素

构成音乐最基本的元素就是音高和音长两部分

• 音高: 也就是声音震动频率
• 音长: 该频率声音震动的持续时间

明白了这一点 就已经掌握了音乐的本质

从这两大元素, 我们可以延伸出许许多多的概念

音名和唱名

为了方面人们记忆 音乐家门给不同频率的声音取了各种别名, 如下表:

也就是用CDEFGAB这七个大写英文字母来表示

我们都知道, 一首歌的音调我们直接用嘴巴就能哼出来, 而且也方便传播, 但是无法记录在纸上, 音名出现后 由于音名和音高的一一对应关系, 我们便可以将脑海里的哼哼转成文字记录下来, 音乐的传承便由此开始

用音名记录确实不错, 但是用它们来唱就显得有些拗口了, 像F由两个音节组成, 音符多速度快的时候估计嘴都会打瓢

所以为了方便唱, 音乐家们便开发出了一套唱名, 全部都是单音节:

这些个唱名就相当于是歌词, 不仅方便人们唱, 也方便记录

在地球的另一边, 同样也开发了一套音名, 这套音名不是用字母表示, 而是用数字:

简谱中用的就是数字这一套, 至于哪个好, 它们仅仅是音高的昵称罢了, 用于音乐的记录和传播, 无所谓好坏

没有人会说你采用简谱就很low , 学习五线谱也只是为了方便学习西洋的经典, 因为西洋音乐都是用五线谱记录的, 不学的话根本看不懂, 仅此而已

音长的表示

前面说到, 音高可以用音名和唱名来表示, 那么声音的持续震动时长 也就是音长 用什么来表示呢

如果我们给每一个音设置一个固定时长, 比如第一个音符几秒, 第二个音符几秒, 那肯定不行, 这种绝对时长压根唱不准, 音符一多会死人的

那咋办, 既然绝对时长我们很难把控, 那相对时长呢, 假设第一个音符是1秒 第二个音符是前一个音符的两倍

感觉要比绝对时长容易一些, 但是还是困难

于是乎 在相对时长的基础上, 借助身体的本能律动,发明了一种通过身体打拍子的方式来计算时间, 比如用双手打拍

不管你打一拍花费多长时间, 只要第一个音符打了一拍, 那第二个音符就打两拍, 如果第一个打两拍, 第二个就打四拍, 依次类推

刚开始的时候, 打两拍的时长不一定是打一拍的两倍, 会出现严重误差, 这很正常, 所以初学者一般需要借助节拍器, 让身体适应这种相对时间的感觉, 久而久之误差会越来越小, 甚至融入肌肉记忆, 形成神经反射

所以学音乐的第一步 就要学会唱音阶和打拍子

节奏

由于不同的人打拍子的快慢不一样 导致在哼唱同一首歌时也有快又慢

但不管有多快 你依然能辨认出这首歌 这就是相对时间的魅力 它使得整首歌结构非常稳定 不被速度影响所影响

那么 这些个由相对时间所构成的固定比例结构 在音乐中我们成为节奏

节奏是一首歌的骨架, 我想这也不难理解了

好听的音乐

世界上没有难听的音乐, 只有难记的音乐

一首歌, 如果每个音符时值比例随心所欲 没有任何规律可言, 那么这首歌 你压根就记不住 或者很难记住

所谓顺耳即好听, 听多了便顺耳, 想要让听众在短时间内实现听多的效果, 那么就需要重复

对于创作者来说, 最基本的就是歌曲的节奏保持一定规律性延续

我们可以去分析一下市面上的歌曲, 基本上整首歌的节奏, 都和第一小节大同小异, 如果不同, 那就在第二段再重复一遍, 我们俗称为洗脑

我们不要觉得歌曲low, 能让人记住的音乐, 本身就是合格的音乐, 别忘了音乐诞生的初衷本来就是为了让人愉悦开心, 而不是为了比高深, 只要能让人舒服, 就OK了

歌曲的速度

这里的速度 指的是一首歌演奏的快慢 并非指的是BPM, 一首歌的速度由三个部分组成, 分别是BPM, 节拍和音符时值

详情参见: 《BPM真的可以表示歌曲的速度么》

BPM指每分钟的拍子数, 它可以计算出的单位拍子占用的具体时间, 这是绝对时间 精确到秒 毫秒

不同的速度, 可以表达不同的情绪

另外 音高 节奏 速度,这三者的明确标示 可以保持一首歌曲的原汁原味 充分传达创作者的意图和感情

歌曲的节拍

节拍是提现演奏速度组成部分, 同时也是标记歌曲强弱情绪的方式

详情参见:《节奏与节拍的区别》

本文为作者原创 转载时请注明出处 谢谢

有瓣音频 – 有伴你我,更多编曲混音技术尽在有瓣音频

什么是节奏

指各音符之间持续发声时长的比例关系

比如第一个音符占一个拍子 第二个音符时长是第一个的一半 也就是半拍 这种固定的相对结构 就是节奏

常见的基本节奏有:

• 前八后十六
• 前十六后八
• 前十六后十六
• 前八后八
• 前八后休止
• ……

其实就是不同时值比例的排列组合, 你想怎么排就怎么排

它和音符的音高没有任何关系, 旋律虽然由音高和节奏组成 但节奏可以脱离旋律单独存在, 比如打击乐

什么是节拍

指拍子之间强弱关系按照小节为单位有规律地重复出现 这种规律形态我们称之为节拍

重点在于:

• 以小节为单位
• 拍子有规律的强弱变化

节拍和音符的音高及时值没有关系

其中拍号是节拍的具体表现形式 用不同的拍号来表示不同的强弱关系 比如 拍号是4/4表示:

单位小节内是拍子强弱是以强弱次强弱的关系进行排列 然后有规律地重复该小节

总结

节奏和节拍是两个完全不同的概念 节奏重点在音符时值比例 而节拍重点在拍子之间的强弱关系

关于拍号补充

我们需要明白拍号只是一个昵称, 拍子间的强弱关系并不属于拍号, 而属于节拍, 比如有人问你, 2/4这个是什么, 你回答:

这一坨叫拍号, 它用于告诉我们歌曲是节拍是四二拍, 具体一点就是以四分音符为一拍, 每小节有两拍, 其强弱关系为 强弱

我们再来看以下三个概念:

• 拍子: 音符时值参考单位, 同一首歌单拍的时长是一样的

• 节拍: 单位小节内拍子间的强弱规律关系

• 拍号: 用于明确是哪一种类型的节拍

你还傻傻分不清吗

本文为作者原创 转载时请注明出处 谢谢

有瓣音频 – 有伴你我,更多编曲混音技术尽在有瓣音频

简介

BPM: Beat Per Minute的简称, 表示每分钟的拍子数量 也就是每分钟能打多少拍

思考

一首歌的实际速度并不能单纯通过bpm来表示

比如我用4/4的节拍配上100的bpm 和用2/4节拍配上50的bpm

只要将后者音符时值缩短一倍 两者给人的速度听感是一样的 比如:

(注意 是速度听感 而非乐曲听感)

以上两种记谱都没错, 那你说这首歌速度到底多少呢?

我们能用一个单纯的BPM指标来衡量一首歌的速度吗

肯定不行, 我们所说的歌曲速度并非指的是节拍器速度(BPM), 而是歌曲的演奏速度

如果我们仔细分析会发现, 不管是4/4的节拍配上100的bpm的组合 还是2/4节拍配上50的bpm的组合 每个音符的绝对时值是一样的, 单位以秒计算

那问题来了 以秒为单位虽然足够精准, 但是我们在记谱的时候难道给音符标注发音持续多少秒? 这简直是文明的倒退 丧心病狂的做法!

实际上, 描述一首歌曲的速度需要结合以下几方面判断:

• BPM : 可计算出每拍占用绝对时长
• 节拍类型 : 每小节多少拍
• 音符时值: 每个音符占据的拍子数量

以上三者缺一不可, 在每一张乐谱中 它们都有对应体现

那么上图中采用50BPM或者100BPM的可以达到同样的速度听感, 记谱虽然也没错, 但是我们在实际的创作过程中, 必然只能选择一个BPM, 那么应该采用哪一个呢?

这就得结合节拍类型所对应的强弱关系来进行选择了, 看是四拍子的强弱次强弱这种律动符合歌曲的情感意境, 还是二拍子的强弱律动更加适合

这完全取决于创作者和改编者

我们在扒谱的时候, 一般也是尽可能地遵从作者的意图, 从而达到原汁原味的效果

本文为作者原创 转载时请注明出处 谢谢

有瓣音频 – 有伴你我,更多编曲混音技术尽在有瓣音频

前言

有时候我们听到一首歌或者旋律想要为其划分小节, 或者当我们在创作的时候, 想要旋律记录在谱, 那么小节的线位置该如何摆放

这个问题 对于音乐初学者来说必定会遇到

要想准确的划分小节, 首先我们必须明白音乐的强弱关系

音乐之所以能称为音乐而不是噪音, 最关键的就是声音的轻重高低起伏 这种连续的强弱变化给人以优美舒适的感觉

要想掌握划分的技巧, 除了要有一定的乐感之外, 还需要一定的乐理基础, 乐感这东西多听音乐自然就会有, 至于乐理, 这个需要花点时间学习一下

拍子

常见的拍子有四拍子 三拍子 和二拍子

• 四拍子典型代表4/4: 表示以4分音符为一拍, 每小节有4拍
• 三拍子典型代表3/4: 表示以4分音符为一拍, 每小节有3拍
• 二拍子典型代表2/4: 表示以4分音符为一拍, 每小节有2拍

这三种拍子的强弱变化分别为:

• 四拍子: 强 弱 次强 弱
• 三拍子: 强 弱 弱
• 二拍子: 强 弱

强表示重音 我们发现, 不管是哪种拍子, 强音都在小节开头, 那么我们只要找到旋律的重音位置, 也就明确了小节线的位置了, 小节线画在重音前头就行

开始实战

接下来就是考验耳朵和乐感的时候了, 闭上眼睛感受旋律重音的位置, 一旦找准了, 旋律的律动感就出来了,

这个时候看一下强音间隔的拍子数量, 如果间隔3个拍子重复出现强音, 那么这首歌即为四拍子的歌, 如间隔2个拍子即为三拍子, 如果间隔一个拍子, 即为二拍子的歌

确认无误后, 画上小节线, 那么小节划分的工做就做好了

拍子知识补充

拍号中分子为每小节的拍子数量 分母为以几分音符为单位拍,

读法是先读分母，再读分子，比如2/4叫四二拍，3/4叫四三拍，6/8叫八六拍

前面说到常见的拍子有4/4 、3/4 和2/4拍, 可是我们偶尔也会碰到诸如6/8、9/8和12/8拍的拍号, 那么我们是不是可以将其称为6拍子 9拍子和12拍子呢

不是这样的, 实际上:

• 6/8 : 属于二拍子
• 9/8: 属于三拍子
• 12/8: 属于四拍子

是不是有点懵, 这三个拍号其实叫做复拍子, 而2/4 、3/4和4/4这三个叫做单拍子, 为什么叫做单拍子我们无需纠结, 记住即可, 至于复拍子, 它们是由单拍子重复而来, 怎么个重复法呢, 我们先来看一下它们的强弱变化关系:

• 6/8 : 强弱弱 次强弱弱

  

  其中强弱弱表示一拍 次强弱弱表示一拍, 一共是两拍

• 9/8: 强弱弱 次强弱弱 次强弱弱

• 12/8: 强弱弱 次强弱弱 次强弱弱 次强弱弱

  

以6/8为例, 从谱子上看的确是以八分音符为一拍, 每小节有6拍, 但是在唱奏的时候却是两个三连音, 也就是只唱了两拍, 只不过每拍的音符变多了

所以 我们可以简单理解为, 复拍子就是单拍子内部的重复, 而且是重复三次, 也就是一个大拍子里面有三个小拍

复拍子记忆

这里给大家介绍宋大叔的记忆方式:

1. 什么是复拍子

   一个大拍子包含三个小拍子。（即，三个三分之一拍，合为一个完整拍。）

2. 复拍子特征

   但凡拍号上方为6、9、12的就是复拍子

3. 复拍子的拍子数和每拍实际音符算法

   如果要计算某复拍子属于几拍子或者每小节多少拍, 可以用分子除以3

   如果要计算每个大拍所占的实际音符时值, 可以用分母乘以3

   具体如图:

   

有了这个算法后 我们对于复拍子可以采用单拍子思维去理解:

• 6/8 : 属于二拍子 以附点四分音符为一拍 每小节有两拍
• 9/8: 属于三拍子 以附点四分音符为一拍 每小节有三拍
• 12/8: 属于四拍子 以附点四分音符为一拍 每小节有四拍

本文为作者原创 转载时请注明出处 谢谢

有瓣音频 – 有伴你我,更多编曲混音技术尽在有瓣音频

宿主下载

点击下载（访问密码：312306）

宿主安装和PJ流程

首先是正常安装

下载完成后打开如图：

点击【继续】:

接下来安装PJ补丁

将左侧【Cubase10】拖到右侧【MacOS】文件夹内安装，如图：

将左侧【mediaservice】拖到右侧【MacOS】文件夹内安装，如图：

2个MacOS文件夹路径分别为：

1

MacOS  ：/Applications/Cubase\ 10.app/Contents/MacOS

1

MacOS ：/Applications/Cubase\ 10.app/Contents/Components/mediaservice.bundle/Contents/MacOS

点击【鉴定】，如图：

点击【替换】，如图：（2个必须都要替换）

现在打开应用程序，找到安装好的Cubase 10软件，右击显示包内容，然后打开【Contents】文件夹，删除【VSTPlugins】和【VST3】文件夹，如图：

【VSTPlugins】和【VST3】删除完成后，将“cubase10特别版”镜像包内VST3替换文件拖到【Contents】文件夹内，如图：

打开安装完成的cubase 10 mac特别版，点击【启动 Cubase Artist 10】，如图：

点击【Cancel】，即可进入软件，(需要取消2次)，如图：

注意：每次进入软件都要按【启动 Cubase Artist 10】然后点击【Cancel】哦！！

进入cubase 10后在【首选项】【常规】中取消【使用Hub】选项，如图：

至此 Cubase10 和谐版安装完毕

有瓣音频 – 有伴你我,更多编曲混音技术尽在有瓣音频

钢琴音域参考

以钢琴为准共分为九组，包括了七个完整组和两个不完整组。图示中最中央的一组，叫做小字一组

中央C的位置即在c1

木吉他的音域范围

木吉他一共六根弦,在同一品上,第一弦和第六弦相差两个八度

木吉他的最低音为E,即大字组E, 如果是24品吉他, 那么音域横跨4个八度,从E~e3(也就是大字组E到小字三组e)

电贝司的音域范围

电贝司通常是四根弦

电贝司的最低音为E1,即大字一组E,刚好和吉他的最低音低一个八度, 如果是21品贝斯,那么音域横跨三个八度,从E1~e1(也就是大字一组E到小字一组e)

Cubase中的表示

在Cubase钢琴卷帘窗口中C3表示中央C的位置,因此吉他最低音在E1,贝斯最低音在E0

由于不同的MIDI软件表示中央C的位置不一样,有的是C3,有的是C4甚至C5,因此,我们不必记软件的中排列,只需记住标准88键钢琴大小组表示即可,这是通用的参考

有瓣音频 – 有伴你我,更多编曲混音技术尽在有瓣音频*

前言

早年间偶然下载的一个练耳工具 名叫SoundMan 目前官网已经不能访问了

软件的界面大概长这样:

免费的版本用于EQ频率的练习已经足够了 可惜的是只支持Windows平台 Mac平台如果想要使用的话需要借助CrossOver这个工具

该软件详细的使用方法可参考B站视频:

软件下载

点击下载 (访问密码: 312306)

本文为作者原创 转载时请注明出处 谢谢

有瓣音频 – 有伴你我,更多编曲混音技术尽在有瓣音频

图片作者 Michael Tapp

对于刚刚接触音频制作领域的你，充满希望、前景美好、有潜力又有干劲。
六个月之后你变得苦恼愁闷，却只能对两只音箱吐苦水。

好吧，也许这有点夸张了，但你能理解大概意思了。涉足音频工程时，你也许会想「这有何难？」最后的结果却是「还真挺难的。」你的混音作品似乎总是哪里不足，你的客户似乎也都是人类和怪物的结合体。这甚至会逐渐使你难以继续工作。

你究竟做错了什么？本文列举了一些常见的陷阱（我差不多每一个都中过），是渴望进步的音频工程师最容易遇见的：包括混音技术当中的，以及职业日常事务中的。

混音技术

1、过犹不及

「混音的目标是为了让一首歌定型，而不是为了做一些事情而去做。」这句话看上去老生常谈了吧？但也许你和我一样，也曾经每一轨都挂着一个 EQ、一个压缩，甚至后边再来一个 EQ。为什么？因为你竭尽全力想要用这些很酷的事情打动客户（以及打动自己）。

你会想要拥有自己的招牌声音，并接受音频技术的访谈：「其实在我的混音里使用了 X、Y，并将它们的效果加入一点 Z，得到非常宏大的压缩效果和有冲击力的 EQ 效果。」

但遗憾的是，自己的混音作品似乎与那些大牌录音师的相比根本没有竞争力。原因在哪里？是忘了给军鼓加上多段激励器？还要加上这个那个？其实不是，因为听起来还是平平淡淡。

那些出名的混音工程师总是在他们的作品里做各种怪异灵巧的事情。然而，直白地说，我曾经在做这些事时，只是在胡乱尝试。九成时间我都在玩一些奇特的花样，或用上一大堆效果器，原因只是我觉得应该胡乱尝试，做一些看似「实验性」的东西。

其实，往往最基础和最少量的处理就可以得到我需要的混音。除非偶尔我想要找点乐子。

这个观点同样适用于接下来的内容。

2、缺乏音乐性的思考

混音新手可能总会尝试凑齐一套「声音的统一概念」，认为存在某种通用的正确声音，只要按照固定格式做好频率均衡就可以像还原一个魔方似的完成作品了。然而，事实也不是这样。

混音说到底是一种制作：它从音乐人的作品出发，职责是确保通过扬声器传出来的声音符合音乐人的预期。因此，当你准备在底鼓上放一个 EQ 之前要先问自己这个问题：为什么我要给底鼓加 EQ？如果你回答不了，那么请暂时不要操作，再仔细思考一下。如果能够回答，也请考虑一下自己的回答是不是这样开头的：「这样做可以让这段录音…」

比如：这样做可以让这段录音更加干脆，底鼓低频不那么拖泥带水。

这样做的话，在接下来的作品中你也许就能这样回答：

这样做可以让这段录音更加圆润，底鼓的中低频都更有冲击力。

聪明的 EQ 策略能让你的底鼓更加贴合整个录音，使作品的品质得到提升。

3、忽视自动化的威力

若你非常想要用你的音频技术打动客户，那么就从电平自动化做起吧。

制造对比，维持能量的流动，寻找歌词中突出的字句，在人声薄弱处激发出主音声部的力量，强化强拍，让歌曲的强弱各部产生明显的对比，改变混响和延迟的量寻找最有力的点。

电平自动化的路可以走很远，但终究都是围绕「这首歌要做什么」来决定方向的。

职业事务

1、不能将资源专注于监听

这句依然是老生常谈：如果听不见，根本就没法混音！我再深入探讨一下这句话的内含。

目前我没有在网站上公开我的设备清单。我考虑过这样做，但还是决定暂时不。我的个人工作室里大约有加起来 3 万美元的设备，不少是模拟信号处理器。但为什么不公开呢？因为，这真心没什么帮助。

重要的是我拿这些设备来做什么，并最终能够得到什么。光知道有什么设备没有帮助，而更要知道我怎样用这些家伙来混音。用一台 EQ 就做 EQ 该做的事，如果我做错了，那么再好的 EQ 设备也是白搭。如果都听不到那个声音，怎么混？

甚至可以这么说，有时用次好的设备做出正确的决定，也比错误地使用世界顶级的设备要好。假设我的工作室预算只有不到 5000 美元（不包括电脑），我将会把投资尽量用在监听设备上，并使用软件自带的效果器来混音。

这也是我在混音中真正专注的事。如果我的注意力在制作上，事情当然会不一样，我需要买能制作音乐的设备。但眼下我只要最好的功放来提升我的音箱，因为我要最好的监听品质！

2、过低的报价、自卑地宣传

在音频工程领域里，存在着巨大的分水岭，使这个领域中的价值参差不齐。首当其冲的问题就是「工作室老手」们，他们甚至不应该掺和到这个事情中来，因为他们往往过高报价、过分表现自己的服务。要专门论述这一点，又可以写一篇很长的文章。在这里我只提及硬币的另一面：新人们往往对自己估值过低。

虽然你是新人，但这不代表你的价值就低！我明白，说起来容易做起来难。让我们开诚布公一些，音频工程行业极具竞争性，音乐工业存活在剑锋利刃之上。无论是客户还是刚才提到的「工作室老手」都会压低你的身价。别信他们就是了。

你是极其重要的。专注于本职工作就行，正如我的本职工作就是让 Andrew Dawsons、Chris Athens 和 Dave Pensados 专注于他们自己的本职工作一样。并为新来的音乐人提供他们所需要的录音资源。

那么，我提到上边的事情是因为小本经营的影响。如果一个老资历的人报价 X，威信次之的人就只能往下报价。最大牌的报价往往就是标准。最新入行的新人的报价则是底线。而我们的职业价值就是在这对封顶和底线之间的某个均值。

永远别把自己当成死守底线报价的最新手。实际上，你给这个行业带来的是新的生命、能量、前所未有的思想和勇往直前。我们这样的「老家伙」必须时刻清醒地训练自己才能保持这些品质。总之，别过分低估你自己！清醒认识到自己需要改进的地方固然没错，但也要清楚地了解自己的独特之处。

3、责怪音乐人

有时处理一大堆录音时，无论如何也做不对。你和音乐人奋战多时，仍然无法确认下满意的声音。这时，重要的一点是不要责怪音乐人、录音师或编曲，即使问题真的出在那里。

作为音频工程师，你会接触到各种难以对付的艺人、糟糕的录音或草率的编曲。这就是行业的常态。而顶尖的音频工程师能够成为他们今天的样子，就在于能够处理好每一个类似的情况。

如果说，一首歌的某个环节真的有些欠锤，也尽量用谨慎的建议来解决，如抛弃或加入某些元素，让艺人不再执著于自己的小样，重新编排一些东西等等。如果他们仍然说「不」，那么就请自己扛住。试着把功夫用在如何理顺工作上，而不是指出他们哪里不对。如果你真的是有思想的，那么就试着化腐朽为神奇吧：把错乱的编曲做成新颖而激动人心的，或把艺人的胡思乱想真的做成天马行空。

总而言之，对录音保持乐观，总是挑毛病没有用。况且多数情况下，问题棘手的真正原因并不在于那些行业中的毛病，真正的原因是我们对这些毛病束手无力。如果能克服这些障碍，也就离成为更优秀的音频工程师不远了。

本文由 SOUNDMONO 编译自 THE PRO AUDIO FILES

固定链接: https://soundmono.com/beware-of-6-common-traps-of-audio-engineering.html
转载时请保留本文固定链接并注明出处

有瓣音频 – 有伴你我,更多编曲混音技术尽在有瓣音频