有太多的人已经停止了创作, 开始步入安逸生活
不是能力衰退, 而是动力不足
下班回家的路上偶然思考到这个问题, 在这里分享一下我个人的粗浅想法
我认为 保持持续创作力最好的办法就是不满足 不成熟
这样才能不停有新鲜的东西出来 所谓新鲜是相对而言 对于别人来说也许已经玩腻了
如果腻了怎么可能继续创作 所以一定不能腻
任何技能发展的过程都是由青涩再到成熟, 音乐学习也不例外, 许许多多音乐人伴随着我们成长, 同时我们也见证着他们的进步
很多音乐人的作品中都存在学习和探索的影子, 最明显的就是王力宏的歌 每张专辑都能感受到他的探索气息
除此之外还有许嵩早期的作品 不仅有很多模仿的痕迹 而且也有许多奇思妙想
在创作领域 不会和不够 并不是劣势 反倒是啥都会了 也就没啥意思了 丧失了激情和动力
人总是需要刺激才弄保持活力 无论是好奇心 新鲜感 还是精神乃至身体欲望
感谢自己啥都不懂 啥也不会
在音乐领域 我还是新手 我还能创作!
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数字混音中, 不可避免地会遇到声音融合度的问题, 我们混音的目标之一就是让所有个音轨声音融为一体, 相互联动 而不是各响各的
当我们对各个声音进行EQ分层后 声音的干净和清晰度得到提升, 但是声音融合度却下降了
大部分人第一反应就是下拉音量推子, 使声音陷进其他声音里, 但这种方式可能会出现声音被埋没
另一部分人, 会尝试增加声音的低频, 低频越多, 声音变得温暖, 融合度也提升了, 但这种方式可能会使得声音浑浊
剩下一部分人通常的做法就是添加各种效果器, 其中效果最为明显的是混响, 混响可以很大程度地提升声音的融合度, 原因是因为各个音轨的频率被放大拓宽, 音轨间重合交叉的频率增多
但混响不能加太多, 否则声音变得混乱, 那之前的EQ分层就白做了
我们不禁思考, 融合度的本质是什么, 上面混响的例子其实是一个很好的启发
也就是说, 音轨之间共同的元素越多, 融合度越高, 这个所谓的元素, 可以使频率, 可以是某种染色, 甚至是噪音
如果不信, 你可以将所有的音轨发送到一个fx轨道, 然后在这个轨道中添加压缩效果器, 或者磁带饱和, 嫩色效果器等等, 也就是所谓的并联效果, 这部分效果的量可以调得非常低, 我一般加-35db左右, 看看是否整体更加融合了
轻微的量, 效果却很明显, 这并不是什么新颖技巧, 我们混音一直都在用, 典型的就是混响效果器, 如果所有的音色都添加了相同的混响, 唯独人声不添加, 那么听起来, 感觉人声格格不入
而只要稍微给人声加上混响, 哪怕只是一丁点, 那么这种分离感立马就会下降不少
为什么总线处理能提升融合度 我想已经不用再过多解释了, 道理相似
提升融合度的技巧很简单, 就是共同的元素, 以下列出我个人的常用手法, 不是标准, 仅做交流参考, 比如:
大部分刚开始接触混音的同学, 总是听不出来融合度的变化, 很正常
没有经过混音处理的声音,胶着在一起, 即便声音浊, 但是融合度足够, 自然感觉也挺好
但我们的目标是为了让声音干净清晰有力, 先解决这个问题, 再考虑增加融合度, 而不能为了融合度任凭声音打架而不理会
最近在B站看到某位老师使用开盘机给每个音轨过带, 融合度瞬间提升, 其中的原理, 我猜测和我给大家介绍的共同元素理论 也许有相通之处 , 参考视频如下:
另外格莱美大师Andrew Scheps, 也曾提到他在混音中会大量使用多音轨并联压缩, 确保整体声音相互联动 一旦某个声音过大, 那么分离感会非常明显, 视频如下:
多轨的并联压缩,以及编组或者总线压缩 一方面给音轨增加了共同元素, 另一方面压缩的低抬高压效果, 相当于是变相进行了音量平衡, 可谓是一举两得
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我们常常会听到有人说, 你的音量平衡没做好, 人声太突出了, 底鼓太突出了等等
真的是音量平衡的问题吗, 还是说是因为混音没处理到位, 声音太过分离了?
我偶尔会听到一些国外的音乐, 他们的人声非常响, 几乎是站在了最前面, 但是整体融合度却做得非常好, 不会让人感觉很突兀
声音的摆位本来就是各有所爱, 有人喜欢突出人声, 有人喜欢突出鼓组, 甚至有人直接将人声当做伴奏乐器用, 用其他某个音色代替主旋律位置
你能说人家有错吗, 或者说人家平衡没做好?
我个人认为, 只要融合度解决了, 那么突出谁完全看自己, 如果是给客户做, 那就看客户的喜好
没有非得说什么风格就必须什么样的平衡, 即便出来的结果让那些经验丰富的前辈觉得不伦不类, 那又如何
经验本就是束缚创新的枷锁, 就好比情歌编曲就应该像港台歌曲那样式来, 这是前人经验, 我们模仿者来这是很好的学习过程, 我们不按照这个套路来, 这也没有错
一代新人替旧人, 随着时间的更迭, 你那在前辈眼中所谓的不伦不类, 也许就成为了后辈眼中的主流
无数的历史已经验证了这个道理
回到混音 某个声音音量大一些 已经不那么重要了, 我们只需要确保每个音轨声音都能被听清, 同时保持足够的融合度, 其实就可以了
我个人认为, 音量平衡是混音的结果, 而不是过程, 也就是说 混音到位了, 平衡自然也就到位了, 并不是音量平衡好了才得到一个好的混音
混音的目标就是清晰度和融合度 冲着这个目标去就就不会有问题
比如 如果某个音轨音量过大, 大到把其他乐器都掩盖住了, 为了让其他乐器声音清晰听见 你自然会把音量降下来
网上很多教程提到说 混音第一步 先把音量平衡做好, 音量搞定了混音就完成了50%
我以前也尝试过这种按部就班的方法, 如果说不加效果器 光音量推子做混音的话, 效果很好
但是混音不可能不加效果器, 一旦我把EQ分层 那么原来的音量平衡就已经开始失效了, 然后还得重新回过头来调整音量平衡, 等总线压缩一挂上, 你有会发现先还不如不调整音量
平衡个寂寞
还是那句话 音量平衡是结果, 而不是过程, 目标不一样 手段自然也不同
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这里的周期 指的是创作周期
周期越长 对创作越不利
一段旋律反反复复修改, 修改的次数越多 就越容易变味 最后导致难产
很多人都是如此
我的创作理念是 永远把好的作品留给下一首
这样 不仅保证了创作的流畅度 同时能保持创作的激情
一上来就想做到完美, 起点太高, 反而飞不起来
我的创作过程基本上是一气呵成
别跟我说 写的歌很烂 不好听 或者没深度编曲不够屌等等
音乐本来就是一个见仁见智 非常主观的东西 没有好与不好 只有喜欢与不喜欢
从商业的角度 能卖个好价钱 被大众所接受喜欢就是好作品
从个人角度 能抒发自身情感 传达想法 让自己舒服开心 那就是好作品
不只是音乐人, 对于所有创作者而言 束缚自己的永远是自身的想法, 而不是别人的眼光
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混音水平提升的关键在于 审美和听力
技巧和方法则是其次
而审美和听力的提升靠的就是对比
为什么我们看以前的电视电影会感觉以前画质不如现在?
如果科技不进步 我们估计一直看着黑白电视 而且也不会觉得有任何不对劲 然而现在让我们看黑白电视 你是否还能忍受
人类的审美随着科技的进步在被动提升 视频的画质越来越好 音乐音质越来越好 动漫人物动作表情制作得越来越来细腻
我们能感知到它们的不同和变化 其本质在于对比
在混音中 这一点亦是如此 我们不仅要把我们的混音作品和别人的混音作品对比 同时在使用不同的效果器是也要时刻对比试听 反复不断地分析思考 怎么样能使得声音更好听 只有经过无数次的尝试 把耳朵训练得越来越灵敏
那么 最终你能听到 那你就能做到
能听到声音太闷 就能想办法减少闷感 让声音变得通透 如果听不出来 那自然无从下手
另外 对于混音而言 需要配合好的监听设备 良好的设备能让你的混的声音在任何设备上都听起来差不多 不会一个设备好听 另一个难听
不用担心自己当下混的是否难听或者水平不够, 而应该要考虑的是让自己不断进步, 超越昨天的自己
一切痛苦来源于与别人比较, 一切幸福来源于超越昨天的自己
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学和声乐器第一个阶段就是弹和弦, 一旦和弦转换自如了, 就可以开始弹唱了
像练指法啥的这种, 个人认为可以往后放, 先把兴趣搞起来才是关键, 而弹唱基本是大多数器乐爱好者学习乐器最初的动力
一边弹一边唱, 唱的是旋律, 而弹的自然就是和弦, 无论钢琴或者吉他 亦是如此
本章主要给大家介绍一下钢琴(键盘)上和弦转换的小技巧, 方便初学者快速掌握和弦的转换
比如 我们要弹奏一个和弦进行1-6-4-5
大部分人刚开始需要一边看琴键找音一边弹, 效率极低, 同时声响效果也不平稳
这里总结了一个小规律:
假设我们右手弹奏和弦, 以C大调C原位和弦为例, 大拇指按根音, 中指按三音, 小指按五音, 那么:
在原位和弦的基础上, 将小拇指往右移动一个琴键为当前和弦的六级和弦, 也就是Am
在原位和弦的基础上, 将小拇指和中指同时往右移动一个琴键为当前和弦的四级和弦, 也就是F和弦
在原位和弦的基础上, 将大拇指往右移动一个琴键为当前和弦的三级和弦, 也就是Em和弦
在原位和弦的基础上, 将大拇指和中指同时往右移动一个琴键为当前和弦的五级和弦, 也就是G和弦
将原位和弦整体往右移动一个琴键为当前和弦的二级和弦, 即是Dm和弦
将原位和弦整体往左移动一个琴键为当前和弦的七级和弦, 即是Bdim和弦
根据一个原位三和弦, 我们可以快速转换出其他各级和弦, 此时无需看琴键, 闭着眼睛, 只靠感觉手指左右移动就可以进行和弦切换
演奏效率一下就上来了, 也不用事先推算各级和弦组成音都是什么, 对于初学者及其友好, 而且由于和弦连接平稳, 声响效果也会好很多
注意: 以上规律只针对原位三和弦有效, 如果是转位和弦或者七和弦等则不能套用
每一种和弦都有着自己的规律, 其他规律日后再给大家补充
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我们在给人声添加混响的时候, 如果使用插件, 通常不会只用一种混响, 大部分情况下板式 房间 厅堂三种混响搭配着使用, 有时还会再加上延迟
为什么不只用其中一个混响?
这就得说到软件混响和硬件混响的区别了, 一般情况下硬件可以正常将混响声音扩散到远处, 而软件模拟混响则总是在近处飘
这就导致软件混响的深度不够, 声音容易往外冒, 有兴趣的可以网上找相应的对比音频听一下, 或者自己实践一下
那难道使用多个混响就可以解决这个问题吗? 可以这么说, 虽然不完美, 但是尽可能地模拟硬件混响的深度, 以弥补软件的不足
这里, 我们需要了解几个概念:
正常情况下混响声音随着扩散其宽度会越来越大
我们使用三种混响来搭建完整的混响空间, 实现宽度的渐变, 比如板式混响负责近场空间, 房间混响负责中场空间, 厅堂混响负责远场空间, 最后还可以使用乒乓延迟负责更远的空间, 实现更宽的效果
混响的扩散持续时间是影响混响深度的重要指标, 持续的时间越长, 意味着扩散得越远, 远即深
如果用在人声上, 可以将人声包裹住, 提升融合度
软件模拟混响扩散时间我们可以简单用混响时间来代替
比如板式混响用短的混响时间, 房间混响稍长, 厅堂混响最长, 最后延迟再添一笔, 使得混响深度加强
我们知道混响其实就是延迟的加强版, 若干个延迟声音叠加在一起就变成了混响
而混响密度指的就是反射声或说延迟声音的密集程度, 反射声越密集混响声音越模糊, 板式混响密度最高, 而延迟密度最低, 往往我们比较容易听清延迟的声音
我们可以在延迟效果器上可以添加调制效果器来模糊延迟声, 使得延迟和混响更加融合
混响量随着时间不断减少, 直至消失, 这个不必多说
那么多个混响搭配使用的时候, 就需要考虑好它们之间发送量的比例关系, 合适的比例才能出来合适的声音
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音程和路程其实是一个道理, 路程是用于描述空间远近距离的, 而音程则是用于描述音与音之间的距离
路程的单位一般用千米或者米等等
而音程的单位只有一个 那就是度
路程我们一般会说一米 两米 一千米 两千米等
而音程也是如此 比如一度 二度 三度, 但是音程比较特殊, 那就是每个单位下面还有细分, 像二度 有分小二度和大二度等, 三度有分小三度和大三度等, 四度又有所不同, 分为纯四度和增四度减四度…
具体的规律如下:
1 | 减--小--大--增 |
什么意思呢, 比如有两个音, 它们距离小三度, 如果距离缩小一个半音, 那么就成了减三度, 如果距离扩大一个半音, 那么久成了大三度, 再接着扩大一个半音, 就是增三度
而距离纯四度 或者纯五度的两个音, 它们的扩张或者缩小, 则没有小与大的概念, 只有增与减
在音乐中, 增和减基本就是距离尽头了, 没有增增三度, 或者双增三度的说法
我们已经知道了两个音之间的距离单位为度, 但度其实还是模糊的概念, 因为在音乐中我们最直观的其实是半音, 无论是钢琴键盘还是吉他, 每个键或者每个指板格子音高距离就是半音
因此度和半音有一一对应关系, 如下:
1 | 小二度-->1个半音 |
音乐中一共有12个音, 其最大距离为12个半音
到这应该有小伙伴会有疑问, 为什么不直接使用半音当做音程单位, 而要引入度这个中间人
半音和度其实都算是音程的单位, 你想用哪个都行, 但是度可以方便我们记忆和理解和声
但凡两个音放到一块就会产生音程, 那么在12个音中两两配对, 一共有12x12=144对, 实际上, 我们不需要记这么多, 只需记7个自然音即可, 至于为什么, 可以参考之前文章 《掌握所有调和弦的秘诀》
即便是7个音, 那两两配对也有7x7=49对, 以下用唱名简单表示:
1 | 11 12 13 14 15 16 17 |
我们如何记住这些音的之间的距离呢?
我们首先来总结一下, 这些音总共都包含哪几种类型的音程单位:
1 | 同度一共有七对,分别是11 22 33 44 55 66 77 |
我们先把其中一些特殊好记的先拿下, 逐步掌握, 以下皆采用上行算法:
首先同度不用多说, 相同的两个音
判断两个音到底是几度只需要后一个音减前一个音再加1即可,
比如46就是6-4+1=3, 音程是三度, 64的话后者先加个7就是4+7-6-1=6, 音程是六度, 当然这种算法只是参考, 你若有更优的方式, 可以不用我这种
第一步记住是C开头六个:
1 | CD CE CF CG CA CB |
记忆要点:
CF是纯四度, CG是纯五度, 其余全部为大(大二 大三 大六 大七)
第二步 记住剩余所有的七度
1 | 21 32 43 54 65 76 |
发现规律没, 所有的七度都是逆序下行走一个数, 其中除了43是大七度以外, 其他的都是小七度
结合第一步, 那我们只要记住,除了43 和17 这两对是大七度以外, 其余的都是小七度
第三步 记住剩余所有的六度
1 | 75 64 53 42 31 20(这个0就是7) |
一样的规律, 逆序倒数两个即为六度, 直接减法一减就出来了, 碰到0的情况就用7替换
上面所有六度中, 除了31、64和75是小六度之外, 其余的皆为大六度
第四步 记住所有的二度
1 | 12 23 34 45 56 67 71 |
除了71和34是小二度之外, 其余的都是大二度
第五步 记住所有的四度
1 | 14 25 36 47 51 62 73 |
除了47是增四度外, 其余的都是纯四度
第六步 记住所有的五度
1 | 15 26 37 41 52 63 74 |
除了74是纯五度之外, 其余的都是纯五度
第七步 记住所有的三度
1 | 13 24 35 46 57 61 72 |
145开头为大三, 2367开头的为小三
另外 所有3开头的都是小和纯 没有大 啥意思呢 如下:
1 | 31 小六 |
小三不愧为小三 哈哈
所有4开头的没有小 都是大、纯或者增, 如下:
1 | 41 纯五 |
以上只是我的一种记忆思路, 用于过度使用, 等牢记于心之后, 这些记忆技巧都可以扔掉, 我们的目的是记住, 技巧只是协助记忆的一种方式
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前面给大家介绍了和弦的具体种类, 详见《和弦的解析》
光里面列举的种类多达35种, 音乐中一共有12个音, 总共有35x12=420个
也就是说在我们的音乐生涯中 需要记住不下420个和弦, 是不是有点懵, 建议打消想一口气记住的念头, 日积月累才是硬道理
事实上, 我们真正在使用的时候, 同时用到的和弦并不多, 如果所有和弦你能都记住自然最好不过, 记不住也没有关系, 音乐都是有规律的, 了解其中的规律就是本章我们需要讨论的内容
我们知道不同种类的和弦有着不同的音程结构, 比如大三和弦时大三度叠小三度, 小三和弦时小三度叠大三度
而相同种类的和弦的音程结构是固定的, 和根音是谁没有任何关系, 比如C大三和弦 与E大三和弦 他们的音程结构是一样的, 我们只需要将C大三和弦所有的组成音整体同时往上移动大三度的距离, 那么就得到了E大三和弦, 这在钢琴卷帘窗中非常直观:
其他种类和弦是同样的道理
那么 如果我们想立马知道F#m7和弦的组成音, 根据这个规律可以很快推导出, 很多初学者看到升降号就有点头大, 今天我们一次性解决掉它
我们先将升降号过滤屏蔽掉, 将它看成是Fm7和弦,Fm7和弦的组成音是:
1 | 4 6b 1 3b |
然后将所有的音升高半音:
1 | 4# 6 1# 3 |
那么就得到了F#m7和弦组成音, 这一步熟练之后完全可以在脑袋中推算出来, 无需纸笔
而完成这一系列操作的基本条件就是, 我们需要掌握所有自然音的常用和弦
自然音 也就是不带升将号非变音 一共有7个:
1 | C D E F G A B |
常用和弦就是大七、小七 、属七 、减七 、小七减五 、挂二 、挂四 、增三和弦这把八大类和弦, 一共就是8x7=56个 (记住了七和弦就相当于记住了三和弦)
数量是不是一下子就少了很多
有了这56个和弦基础, 我们可以快速推导出所有的和弦, 不管是什么调 A调也好 B调也罢, 也不管是什么调式 Dorian调式也好, Lydian调式也罢, 所有的调和调式都离不开12个音
到这 有的小伙伴可能就会说, 直接记住和弦的结构不就可以了, 需要时用纸笔一推就完事了, 干嘛记这么多
而我想说的是 无论是学什么, 掌握的数量越多 反应就越快, 于音乐, 我们对其理解的就越深, 方便我们在音乐探索道路上清扫障碍 更进一步, 反之, 反应速度越慢, 花太多时间在推导上并不是件有利的事, 咱也不能一直依赖纸笔
这几十个和弦, 我们也不用着急短期内一次性完全记下, 一边使用一边掌握是最有效的方法, 配合乐器食用更佳
所谓的秘诀, 其实就是利用和弦组成音的结构固定来进行上下平移推导
一个大七和弦, 无论上移 下移 左移 右移 它都还是大七和弦, 本质不会变, 变得只是根音罢了
如果我们需要知道G Phlygian调的五级和弦是什么, 该如何快速推导
步骤如下:
首先我们需要知道Phlygian调式和弦序列是什么个结构, 我们也许不熟悉G Phlygian调, 但是E Phlygian调我们肯定熟悉, 它和C大调使用相同的音
1 | E F G A B C D |
其实就是C大调往后滚动两个, 那么其和弦序列为:
1 | Em F G Am Bdim C Dm |
至此, 我们已经知道了Phlygian调式各级和弦的性质, 也就是每一级到底是大三 小三 还是减三,无论是G Phlygian调, 还是E Phlygian调都需要遵从这个规律
接下来只需列出以G为主音的自然音音级:
1 | G A B C D E F |
然后根据Phlygian调式的音程结构半全全全半全全, 添加相应升降号:
1 | G Ab Bb C D Eb F |
最后根据上面我们的出的各级和弦的性质规律, 给其添加相应的和弦标号即可:
1 | Gm Ab Bb Cm Ddim Eb Fm |
这就得出了G Phlygian调的所有和弦, 第五级和弦那就是Ddim和弦
就是这么的简单, 如果是G# Phlygian调, 只需将所有和弦同时升高半音, 也就是:
1 | G#m A B C#m D#dim E F#m |
无惧任何升降号
上面流程中难点有两个, 一个是需要熟悉不同调式各级的和弦性质, 另一个是需要记住不同调式音级之间的音程关系, 这一块内容详见《关于歌曲的调性》
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